Nach dem Ersten Weltkrieg und bis zum Aufkommen des Nationalsozialismus zu Beginn der 1930er Jahre war Deutschland der Geburtsort eines neuen Filmstils, der auf den Stilmerkmalen der expressionistischen Bewegung wie der Verwendung von Helldunkel, Oneiric Atmosphären und übertriebenen Winkeln beruhte Kompositionen. Das genaue Geburtsdatum dieser Bewegung muss Ende 1917 angegeben werden, als die Universum Film AG (UFA) von der Bundesregierung und dem Militär gegründet wurde.

Es gibt viele eingehende Studien über diese Bewegung in Büchern, Zeitschriften und sogar im WWW, aber dieser kleine Aufsatz ist nur meine originelle und persönliche Reflexion über die Filme, die ich sehen und lieben durfte.

Caligari! CALIGARI !!

Das Kabinett von Dr. Caligari wurde 1919 von Robert Wiene inszeniert und ist der paradigmatischste Film des frühen deutschen Expressionismus.

Kurze Zusammenfassung: Eine Ambulanzmesse besucht eine kleine deutsche Stadt. Hauptattraktion auf dieser Messe ist Dr. Caligaris Stand, an dem ein Somnambulist namens Cesare (Conrad Veidt) beworben wird. Einer der Besucher stellt dem Somnambulisten eine äußerst kluge Frage: „Wie lange werde ich leben?“ Der Freak antwortet: „Du wirst morgen sterben …“ Interessanterweise scheint der Mann – anstatt zu lachen – sehr besorgt über die Vorhersage des Somnambulisten zu sein. Noch interessanter ist, dass er am Tag danach stirbt …

Die Art Direktion wurde von Walter Reimann und Walter Roehrig geleitet, Kollegen der „Der Sturm Gruppe“, einer Berliner expressionistischen Kunstgruppe mit weltberühmten Künstlern wie Bruno Taut und Herwarth Walden. Sie kreierten ein originelles, fantastisches Make-up, das den Film mit deliriumartigen Bildern füllt und die eigene Psycho-Zerstörung des Protagonisten betont.

Caligaris brutale Herrschaft über den halb Somnambulisten / Halb Zombie Cesare ist leicht als Metapher der faschistischen und autoritären Regierungen zu interpretieren, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Europa entstanden sind, wie Siegfried Kracauer in seinem berühmten Buch Von Caligari bis Hitler erklärt .

Murnaus Nosferatu

Fragen Sie mich nicht wie, aber vor einigen Jahren hatte ich das Glück, eine Kopie von Friedrich Murnaus frühestem Überlebensfilm Schloß Vogeloed (The Haunted Castle, 1921) zu erhalten. Ich war nicht wirklich begeistert davon, aber die Schönheit des Make-ups, das seltsame und verstörende Ende und die atemberaubende Verwendung des Helldunkels reichten aus, um mich in Murnaus Hell / Dunkel-Universum einzuführen, das im Film I seinen Höhepunkt erreichen wird werde jetzt überprüfen.

Ein Jahr nach den Dreharbeiten zu Schloß Vogeloed war Murnau bereit, sein nicht bekannt gegebenes Meisterwerk zu filmen: Nosferatu, eine Symphonie des Grauens basiert auf Bram Stokers Roman Dracula, aber ein Rechtsstreit mit der Witwe des Schriftstellers zwang Murnau, einige Aspekte des Films zu ändern, wie zum Beispiel den Titel oder Name des Protagonisten (Graf Orlok) Trotzdem reichte es nicht aus, und aufgrund der Klage wurden fast alle Kopien des Films zerstört. Die Deutsche Filmproduktion konnte einen von ihnen retten, und der Film wurde schließlich 1929 in den USA uraufgeführt.

Max Schrecks unglaubliche Leistung als unheimlicher Graf Orlok (extrem schlanke, blasse, rattenähnliche Zähne, krähenartige Nase, wie eine siebenbürgische Version von The Simpsons Mr. Burns), der Charme und die Malerei seiner Landschaften und die lyrische Schönheit der Texte stellen den Film an die Spitze des Horror-Genres. Nosferatu ist der kryptischste und nekrophilste, aber auch einseitigste und romantischste Film, der auf dem siebenbürgischen Vampir basiert, einem wahren Meisterwerk, das weder Tod Browning, Terence Fisher noch Francis Ford Coppola jemals übertroffen haben.

Metropole

Fritz Langs Metropole gilt neben Stanley Kubricks 2001, einer Weltraum-Odyssee (1968) und Ridley Scotts Blade Runner (1982) als Höhepunkt des damaligen Science-Fiction-Kinos. Der Einfluss in beiden hinteren Filmen ist offensichtlich: Blade Runners Eröffnungssequenzen des dunklen, futuristischen, neoindustriellen LA scheinen Metropolis erstaunlichen Stadtlandschaften Tribut zu zollen (siehe Bild links), während in Kubricks Meisterwerk der Tribut sogar im Titel enthalten ist : Metropolis Story spielt im Jahr 2000 und Kubrick platziert seinen Film ein Jahr später als Tribut.

Aber während die Vorhersagen von Blade Runner und 2001 ziemlich falsch waren (ich habe dort draußen keinen Replikanten gesehen, und Saturn ist immer noch ein bisschen schwer zu erreichen), ist die fatalistische Vision der Metropole von Metropolis eine grausame Metapher, die in unserer Zeit immer noch gültig ist. Fast 40 Jahre später, und ohne direkten Bezug zu diesem Film, schrieb Julio Cortázar einen Satz, der die tragische Botschaft von Metropolis von selbst wieder aufnimmt: „… die Menschheit wird an dem Tag, an dem die Ausbeutung des Menschen seinen Namen verdient, ihren Namen verdienen durch den Menschen aufhören „



Source by A. Wolf